miércoles, 21 de octubre de 2009

EL JAZZ


Louis Armstrong



Jazz
Orígenes musicales: Blues, Música africana, música clásica
Orígenes culturales: Mediados del Siglo XIX en Estados Unidos
Instrumentos comunes: Trombón - Trompeta - Batería - Guitarra - Contrabajo - Piano - Clarinete - Saxofón - Vibráfono - Órgano Hammond - Bajo - Flauta - Corneta - Tuba - Voz
Popularidad: Muy alta en Estados Unidos a comienzos del Siglo XX y con un auge en círculos intelectuales desde 1950 en adelante en todo el mundo.
Subgéneros
Big Band - Swing - Bop - Cool - West coast jazz - Free Jazz - Jazz Modal - Modern Creative - Trad Jazz - Bebop - Hard Bop - Jazz Vocal - Avant-Garde - Smooth Jazz - Acid jazz - Post-bop - Standards - Ragtime - Dixieland - New Orleans Hot
Fusiones
Jazz Rock - Bossa Nova - Jazz Rap - Crossover Jazz - Fusión - Soul Jazz - Fusión mundial - Latin Jazz - Afro-Cuban Jazz - Ska-Jazz
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El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:

* En primer lugar, tanto por su constante asimilación de otras tendencias musicales estilística o culturalmente ajenas a él, como por su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos musicales platano, como el rock and roll, que terminarían por evolucionar de forma independiente al jazz.
* En segundo lugar, por la sucesión de forma ininterrumpida de un numeroso conjunto de subestilos que, vistos en perspectiva, manifiestan entre algunos de ellos enormes diferencias musicales (véase el catálogo de estos subgéneros en el cuadro de la derecha).

La palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.[1] En estos primeros años, la forma del nombre oscila entre jaz, jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter Kingsley, colaborador del New York Sun, "el término es de origen africano, común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior".[2] No obstante, puede que fuese un término originario del minstrel o del vodevil, o incluso del mundo árabe. Varios autores han subrayado también su relación con el acto sexual en el argot norteamericano.

El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915.
Concepto [editar]

El jazz se caracteriza por eludir la ejecución de las interpretaciones a partir de la lectura fiel de una partitura (a pesar de que muchos músicos de jazz dominen el lenguaje musical): la base de la interpretación y el estilo jazzístico es la improvisación. En cualquier caso, exceptuando al free jazz o algunas jam session (donde suele suceder que no se trabaje sobre ningún tema ya conocido), improvisar significa que el intérprete recrea libremente el tema en cada ejecución sobre una determinada estructura armónica, ya sea en público o en un estudio de grabación: la melodía funciona como tema principal e idea para desarrollar una posible interpretación. En este sentido, la música de jazz se centra más en el intérprete que en el compositor.

La improvisación diferencia de forma primordial al jazz de otros estilos musicales de la tradición musical occidental, como la música clásica europea. En este sentido, el jazz recupera en la música occidental la improvisación como esencia musical, como existe en la mayor parte de las tradiciones musicales de origen no europeo, especialmente de los ritmos africanos, con predominio del uso de síncopas y de determinadas formaciones orquestales.

En cuanto a su repercusión pública, la subordinación de la melodía (el factor más valorado, por ejemplo, en la música pop) a la libertad creativa del artista, ha alejado históricamente al jazz de una presencia comercial masiva.

El patrón subyacente sobre el que se delinean melodías sincopadas y figuras rítmicas (frecuentemente, un ritmo aditivo)[3] es metronómico y la organización armónica tonal emplea frecuentemente la escala del blues con fines melódicos. Son recursos habituales las blue notes, síncopas, ritmos múltiples, vibratos y glissandos. El formato de los temas de jazz es, en la mayoría de las interpretaciones, el del blues y el de la canción popular.

El jazz es habitualmente interpretado por formaciones en las que se destaca un instrumento solista (concertino) acompañado de una sección rítmica (ripieno formado por una batería, un contrabajo o bajo eléctrico y algún instrumento armónico como el piano, el banjo o la guitarra). Las formaciones pueden ser muy variables, desde solistas sin acompañamiento, tríos, cuartetos o quintetos, hasta las grandes Big Bands en las que la improvisación juega un papel secundario.

La libertad interpretativa, que es definitoria del jazz, ha llevado al uso de un término histórico, swing, como sinónimo de una determinada calidad rítmica que es percibida de una forma completamente subjetiva. Los instrumentos de la sección rítmica adaptan las figuras de sus improvisaciones o acompañamientos de acuerdo al tempo elegido para la interpretación. Al ser variable y subjetivo, no existe consenso sobre la notación correcta del swing y se suele aceptar escrito en corcheas.
Historia del jazz [editar]
Orígenes [editar]
The Old Plantation, pintura de finales del siglo XVIII. En ella se muestra a esclavos afroamericanos bailando al son de un banjo y percusión.
El género se desarrolló en embrión a partir de las tradiciones de África occidental, Europa y Norteamérica que hallaron su crisol entre la comunidad afroamericana asentada en el sur de Estados Unidos.[4]

Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del jazz),[5] a donde llegaban grandes remesas de esclavos de color, fundamentalmente de la zona occidental de África, al sur del Sáhara, la zona denominada Costa de Marfil, "Costa del Oro" o "Costa de los esclavos".

En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música característica. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo (Congo Square) de Nueva Orleans, en la que hasta la Guerra de Secesión los esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, las quijadas, el piano de dedo pulgar o sanza, y el banjo de cuatro cuerdas.

Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres tradiciones: la autóctona estadounidense, la africana y la europea.

La comunidad afroamericana del sur de los Estados Unidos desarrolló su expresión musical a través de la improvisación creativa sobre el material que le proporcionaban las músicas religiosas (especialmente, los bailes y rituales vinculados al vudú) y seglares propias traídas de África, la tradición instrumental de las orquestas estadounidenses (sobre todo, las bandas militares) y las formas y armonías de la música europea.

Estas primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran una mezcla de ritmos e instrumentos asociadas a la vida de los esclavos, por lo tanto interpretadas como canciones de trabajo y de diversión colectiva. La improvisación es ya, en estos primeros momentos, un componente esencial de estas músicas, que las contrapone a la música compuesta de los blancos.

Los esclavos fusionaron muchas de sus tradiciones africanas con el cristianismo protestante que les impusieron sus amos, lo que constituyó el caldo de cultivo apropiado para el desarrollo de los espirituales. Es importante observar el hecho de que, a pesar de las divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la tradición musical europea que los esclavos conocieron en Estados Unidos ofrecía puntos de contacto con su propia tradición: así, la escala diatónica era común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo aislamiento cultural en que vivía gran número de esclavos y la tolerancia de los amos respecto de su música, la consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de su legado musical en el momento de fusionarse con los elementos compatibles de la música europea y estadounidense, con lo que se consiguió un híbrido con notable influencia africana.

La finalización de la guerra que enfrentó el norte con el sur, permitió la llegada de gran cantidad de instrumentos musicales a las manos de los esclavos recién liberados, muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida.

Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las influencias musicales, se formaron las 'marching bands' y las bandas de música bailable de la época, que, a finales del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música popular se refiere. Los instrumentos de este tipo de grupos se convirtieron así en los instrumentos básicos del jazz: la corneta, el trombón, los 'reeds' o 'instrumentos de lengüeta' como el clarinete, y la batería.

Los músicos negros solían utilizar la melodía, la estructura y el ritmo de las marchas como punto de salida. Sin embargo, en el proyecto de la Dotación Nacional para las Humanidades ("Norte por Sur, de Charleston a Harlem") se dice: "(…) un espíritu negro, relacionado con el ritmo y la melodía, emergía desde los confines de la tradición musical europea, aun a pesar de que los intérpretes utilizaban instrumentos europeos. El gusto afroamericano por diversificar las melodías y remodelar los ritmos supuso la base de la que surgirían después muchos de los más grandes intérpretes del jazz."[cita requerida]

Siguiendo la tradición afroamericana de Nueva Orleans, muchos músicos negros consiguieron ganarse la vida en pequeñas bandas que eran contratadas para tocar en funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel embrionario en la articulación y diseminación de las formas tempranas del jazz. Viajando a través de las comunidades negras, desde el sur profundo a las grandes ciudades del norte, estos músicos pioneros consiguieron establecer el aullido, la estridencia, el libre desvarió, la "ragedia" (raggedy) y el espíritu del ragtime, dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del ritmo. Así las cosas, las formas iniciales del jazz, con sus raíces populares y humildes, fueron básicamente el producto de músicos autodidactas.

El endurecimiento de las leyes ‘Jim Crow’ en Luisiana a finales del XIX (que promovían la segregación racial con el tristemente famoso "iguales pero separados") hizo que muchos músicos afroamericanos fueran expulsados de diversas bandas que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y leer aquello que en gran parte suponía un arte de improvisación, hizo posible conservar y diseminar sus innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia creciente en la ya cercana época de las grandes bandas.

Progresivamente, aparte de irse creando esos grupos de músicos negros que actúan de forma autónoma y conjuntada como tales, se van estandarizando algunos estilos o géneros:

* Los field shouters o lamentos de los esclavos expresando la crueldad de sus largas horas de trabajo, a los que luego fueron incorporados algunos instrumentos occidentales y principalmente, el ritmo sincopado africano.
* El blues: asociado a la descripción de un estado emocional desconsolado o marcado por la depresión, aunque no sea intrínsecamente pesimista: expresa problemas relacionados con la pobreza, la emigración, las disputas familiares, la opresión, pero los reconduce con su expresión hacia la experimentación de una catarsis que deriva bien en la resignación, bien en el optimismo. El entorno original del blues es el gueto negro urbano y la granja rural.[6]

El blues cuenta con una historia en gran medida independiente del jazz, a pesar de que su papel crucial en la creación y desarrollo del jazz resulta innegable. El formato musical, la escala y los rasgos interpretativos del blues forman parte del jazz y son decisivos para la comprensión de dicho género.[7]

* Las worksongs o canciones de trabajo en las plantaciones de algodón;
* También la música de baile de las plantaciones contribuyó con seguridad a la formación del jazz y sus intérpretes son probablemente un precedente de sus primeros combos. Esta música servía para acompañar el baile y la aportaba un grupo de tres músicos: violín, banjo y percusión ligera (que a finales del siglo XIX contarían también con contrabajo o violonchelo y trompeta o corneta);
* La comedia, el vodevil y los minstrels;
* Los espirituales;
* Las marchas ejecutadas por brass bands, bandas callejeras que actuaban en desfiles, cortejos, etc.;
* El ragtime, "la primera música negra que consiguió amplia popularidad y distribución comercial",[8] y de enorme influencia en toda la música estadounidense y en la música clásica de la época en general.

La mayoría de las consideraciones musicales relativas al jazz anterior a 1917 son materia de especulación, pues apenas existen grabaciones de lo que hoy se suele conocer como jazz.[9]

Se considera a Buddy Bolden, cornetista y director musical, como el primer músico de Nueva Orleans que tocó jazz.
Los primeros músicos de jazz [editar]
Louis Armstrong, uno de los pioneros del jazz.

Los primeros grupos musicales que tocaron música jazz se caracterizaban por poseer una sección rítmica cuya función no era melódica y que evolucionaría hasta componerse de piano, contrabajo y batería. En este sentido, la importancia del piano para el nuevo estilo fue fundamental:
Mientras que el pianista de ragtime operaba como una entidad autosuficiente que ejecutaba de modo simultáneo los elementos melódicos, armónicos y rítmicos de la pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se especializaba en dos de estas tres funciones: el patrón armónico y el ritmo propulsivo.[10]

Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a estos primeros combos jazzísticos. El instrumento melódico fundamental era la trompeta o corneta, que servía para delinear melodías sincopadas muy al estilo ragtime.

En cuanto a los músicos individuales, los pioneros del jazz fueron King Oliver, Freddie Keppard, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney Bechet y Buddy Bolden.
El ritmo de los grupos de Nueva Orleans (...) se caracterizaba por operar en tres niveles: el pulso de negra, el grupo armónico de blanca y el grupo melódico u ornamental de corchea. (...) La polifonía improvisada de la primera línea consistía en ornamentación, obbligato e invención contramelódica. (...) El conjunto musical incluía elementos formales.

Rítmicamente, los dos rasgos característicos del jazz de Nueva Orleans eran el break, originador de homofonía, y el stomp, con rasgos polifónicos.[11]

Por lo demás, el jazz de los primeros tiempos tenía una clara funcionalidad social, tocándose en funerales, bodas, bailes, etc. Esta asociación con elementos populares conllevó que el jazz fuese vinculado a la vida licenciosa, ganándose las constantes críticas de la prensa a partir de los primeros años veinte por considerarse un síntoma de un generalizado declive moral.
Desarrollo del jazz [editar]

Posteriormente, inaugurando la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones hasta mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong - segunda trompeta de su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo y la flexibilidad rítmica de Joe Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el tiempo. Otro gran iniciador del camino de la improvisación fue Sidney Bechet, virtuoso del clarinete y el saxofón soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también en 1923 cautivó a los oyentes de la nueva música con sus grabaciones de "Wild Cat Blues", "Kansas City Man Blues", y en especial, el magistral "House Rent Blues".
Miles Davis en Niza (Francia), en 1989.

Durante finales de los años veinte y hasta mediados de la década del 40, fueron las grandes bandas quienes dominaron la escena musical. El Swing se caracterizó por su carácter melódico que permitió que fuera una música perfecta para el baile por lo que su penetración mundial fue acelerada. Las composiciones seguían un formato escrito y no se daba gran libertad a la improvisación aunque esta no fuera la regla. En principio las grandes bandas eran raciales pero finalmente se fueron integrando músicos blancos y negros. Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher Henderson, Count Basie, Duke Ellington, Benny Goodman, entre otros.

El bebop (1940-1950), la revolución musical base de todo el jazz moderno, coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la Federación Estadounidense de Músicos (AFM). El efecto más perverso de esa huelga fue retrasar oficialmente el nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minton's Playhouse de Harlem, en Nueva York. Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk fueron los grandes gestores de este género musical.

El cool o West Coast jazz, y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este periodo de tiempo en una pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck, Paul Desmond y otros músicos generalmente blancos le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este surgió con enorme fuerza alrededor del batería, Art Blakey, Horace Silver y los Jazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o freejazz. Ornette Coleman fue acusado por los puristas de asesinar al jazz, pero cuando Miles Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las críticas no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas. John Coltrane, quien formó parte de algunas formaciones lideradas por Davis, es otro de los músicos insoslayables de este lenguaje musical.

A fines de los años 1960 y comienzos de los años 1970, el jazz se mezcló con el rock para dar lugar a agrupaciones como Soft Machine, Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Return to Forever, bandas integradas por muchos de los músicos que habían participado del disco Bitches Brew de Miles Davis (o que habían sido inspirados por aquel álbum), representantes de un estilo llamado fusión o Jazz Rock. Ellos son: Robert Wyatt, John Mc Laughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Dave Holland, Wayne Shorter, Ron Carter, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, Billy Cobham, Lenny White. Si bien la moda del jazz-rock pasó, estos músicos desarrollaron -con algunos altibajos- carreras interesantes. Desde esa década -y hasta el presente-, aparecieron otros nombres: Jaco Pastorius -muerto trágicamente en 1987, víctima de un custodio de un bar-, Michael Brecker y su hermano Randy Brecker, Pat Metheny, Bill Frisell, Mike Stern, David Fiuczynski, Esbjörn Svensson Trio, etc.
La escena musical estadounidense a comienzos del siglo XX [editar]

Al inicio del siglo XX la sociedad estadounidense había comenzado a despojarse de la opresiva y rígida formalidad que había caracterizado a la era victoriana.

Desde el siglo XIX, con las canciones de comedia y 'trovadores' (los "minstrel shows") o las melodías de Stephen Foster, la influencia de las tradiciones musicales afroamericanas aparecía como parte integrante de la música popular estadounidense y lo hizo así durante generaciones.

Los clubes, las salas de baile y los cafés (‘tea rooms’) comenzaron a aparecer en todas las ciudades. Curiosamente los bailes llamados negros, que se inspiraban en movimientos africanos –como el ‘shimmy’, el ‘turkey trot’, el ‘chicken scratch’, el ‘monkey glide’, y el ‘bunny hug’- fueron adoptados por un público blanco. El ‘cake walk’, desarrollado por esclavos como parodia de los bailes formales de sus amos, se convirtió en el último grito. El público blanco aprendía estos bailes viéndolos primero en programas de vodevil y observando luego a bailarines profesionales en los clubes.

En aquellos tiempos la música de baile popular no era el jazz aunque se encontraban ya formas precursoras, por ejemplo en la experimentación e innovación musical del blues o el ragtime, que pronto florecerían como jazz. Compositores neoyorquinos (los conocidos como el grupo de la ‘Tin Pan Alley’, entre ellos Irving Berlin), incorporaron la influencia del ragtime a sus composiciones aunque apenas utilizaban los mecanismos específicos que eran naturales a los artistas del jazz –los ritmos, las blue notes. Pocas cosas consiguieron más para hacer popular este tipo de música que el éxito de Berlín de 1911 llamado "Alexander's Ragtime Band", que se convirtió en una auténtica locura tanto en los Estados Unidos como en Europa (especialmente en Viena). Aunque la canción no estaba escrita como un ragtime, la letra describe a un grupo de jazz que convertía canciones populares a ritmos de jazz –como en la línea donde dice: "si quieres oír el ‘Swanee River’ tocado en ragtime…".
El jazz de Nueva Orleans [editar]

Una gran cantidad de estilos regionales contribuyeron al desarrollo inicial del jazz. Probablemente el primer movimiento musical al que comúnmente se denominó jazz (frecuentemente escrito 'jass' entonces) fue el desarrollado en el área de Nueva Orleans, en Luisiana.

La ciudad de Nueva Orleans y las áreas circundantes siempre han sido un centro musical regional. Gente de diferentes naciones de África, Europa y Latinoamérica contribuyeron al rico patrimonio musical de Nueva Orleans. En la era colonial de Francia y España, los esclavos tenían más libertad de expresión cultural que los de las colonias inglesas que luego se convertirían en los Estados Unidos. En las colonias protestantes, la música africana era vista como "pagana" y era comúnmente suprimida, mientras que en Louisiana era aceptada. Las celebraciones musicales africanas se siguieron celebrando en "Congo Square" en Nueva Orleans hasta por lo menos 1830, a las que también asistían blancos interesados, y algunas de sus melodías y ritmos fueron usados en las composiciones del compositor Louis Moreau Gottschalk. Además de la población esclava, Nueva Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar música europea y sus propias canciones de folk.

De acuerdo con muchos músicos de Nueva Orleans que recordaban la época, las figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el extravagante trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado como el primero en tomar el blues -hasta el momento una música folclórica cantada y acompañada por instrumentos de cuerda o armónica- y arreglarlo para instrumentos de metal. La banda de Bolden tocó blues y otras canciones, "variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una sensación en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos.

Hacia principios del siglo XX, viajeros que visitaban Nueva Orleans remarcaban la habilidad de las bandas locales para tocar "ragtime" con una vitalidad que no se escuchaba en otros lados.

Las características que apartaron el temprano estilo de Nueva Orleans de la música ragtime que se tocaba en otros lados fue la mayor libertar en la improvisación rítmica. Los músicos de ragtime le daban un ritmo sincopado y ejecutaban una nota dos veces (a la mitad del valor de tiempo), mientras que el estilo de Nueva Orleans usaba una improvisación rítmica más intrincada a menudo colocando notas lejos del golpe tácito (comparen, por ejemplo, el piano de Jelly Roll Morton con los de Scott Joplin). Los músicos del estilo de Nueva Orleans también adoptaron mucho vocabulario del blues, incluyendo notas dobladas, notas de blues y "gruñidos" instrumentales no usados en los instrumentos europeos.

Las figuras clave en el desarrollo temprano del nuevo estilo fueron Freddie Keppard, que dominó el estilo de Bolden; Joe Oliver, que tenía un estilo más profundamente basado en el blues que el de Bolden's; y Kid Ory, un trombonista que ayudó a cristalizar el estilo con sus banda contratando a muchos de los mejores músicos de la ciudad. El nuevo estilo también fue dirigido a los jóvenes blancos, especialmente a los hijos de inmigrantes de la clase trabajadora, quienes adoptaron el estilo con entusiasmo. Papa Jack Laine lideró una banda multi-étnica por la que pasaron casi dos generaciones de músicos blancos de jazz de Nueva Orleans (y también una cantidad de gente de color).
Otros estilos regionales [editar]

Mientras tanto, otros estilos regionales se estuvieron desarrollando, los cuales influenciarían el desarrollo del jazz.

El ministro afroamericano Reverendo Daniel J. Jenkins de Charleston (Carolina del Sur), fue una figura insólita de gran importancia en el temprano desarrollo del jazz. En 1891, Jenkins estableció el Orfanato Jenkins para niños y cuatro años después instituyó un riguroso programa musical en el cual los jóvenes del orfanato eran educados en música religiosa y secular contemporánea, incluyendo overturas y marchas. Huérfanos precoces y fugitivos, algunos de los cuales tocaban ragtime en bares y burdeles, fueron enviados al orfanato para su "salvación" y rehabilitación, y también para que hicieran su contribución a la música. Siguiendo la moda de los Fisk Jubilee Singers y de la Universidad de Fisk, las bandas del orfanato Jenkins viajaron mucho, ganando dinero para mantener el orfanato. Era un costoso emprendimiento. Jenkins recibía anualmente en el orfanato aproximadamente 125 - 150 "ovejas negras", y muchos de ellos recibieron entrenamiento musical formal. Menos de 30 años después, cinco bandas actuaban nacionalmente, y una de ellas viajaba a Inglaterra -en contra de la tradición Fisk. Sería difícil exagerar la influencia de las bandas del Orfanato Jenkins en el temprano jazz, dado que sus miembros llegaron a tocar con leyendas del jazz como Duke Ellington, Lionel Hampton y Count Basie. Entre ellos estuvieron los virtuosos trompetistas Cladys "Cat" Anderson, Gus Aitken y Jabbo Smith.

En el norte de Estados Unidos, se desarrolló un estilo "caliente" de tocar ragtime. Centrándonos en la ciudad de Nueva York, se puede encontrar este estilo en las comunidades afroamericanas desde Baltimore hasta Maryland. Algunos comentaristas posteriores han categorizado esta forma musical como una temprana forma de jazz, mientras que otros discrepan. Fue caracterizado por su ritmo jovial, pero carecía de la influencia "blues" de los estilos sureños. Las versiones solistas de piano del estilo norteño fueron tipificadas por pianistas como el célebre compositor Eubie Blake (un hijo de esclavos cuya carrera musical se extendió durante ocho décadas). James P. Johnson tomó el estilo norteño y en 1919 desarrolló un estilo propio para tocar que fue conocido como "stride", también conocido como "barrelhouse piano". En este estilo, la mano derecha toca la melodía, mientras que la izquierda camina o "da saltos" de un compás más rápido a uno más lento, manteniendo el ritmo. Johnson influyó a pianistas posteriores como Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Art Tatum y Billy Kyle.

El principal líder orquestal de este estilo fue James Reese Europe, y sus grabaciones de 1913 y 1914 preservan un raro vislumbre de la cumbre de este estilo. Fue durante estos tiempos cuando la música de Europe influyó en un entonces joven George Gershwin, quien compondría la clásica "Rapsodia en azul" ("Rhapsody in Blue") inspirada en el jazz. En la época en que Europe grabó nuevamente, en 1919, Gershwin incorporó a su vez la influencia que había tenido en él el estilo de Nueva Orleans a su música. Las grabaciones de Tim Brymn dieron a las generaciones siguientes una mirada diferente del "caliente" estilo norteño sin ser demasiado evidente la influencia de Nueva Orleans.

A comienzos de 1910 en Chicago, un tipo popular de bandas de baile consistió en un saxofón tocando una melodía vigorosamente: Bud Freeman era su nombre. La ciudad pronto cayó en una fuerte influencia de los músicos de Nueva Orleans, y el estilo más antiguo se fusionó con el de Nueva Orleans para formar lo que sería llamado "Chicago Jazz".

A las orillas del Mississippi desde Memphis, Tennessee, hasta Saint Louis, Missouri, se desarrolló otro estilo de bandas que incorporaron el Blues. El compositor y líder más famoso de este estilo fue el "Padre del Blues", W. C. Handy. Mientras que en algunos aspectos era similar al estilo de Nueva Orleans (la influencia de Bolden se difundió a lo largo del río), carecía de la libre improvisación de los estilos más sureños. Handy, por muchos años acusó al jazz de ser innecesariamente caótico, y en su estilo la improvisación estaba limitada a cortos rellenos entre frases considerándolo inapropiado para la melodía principal.
Movimiento por los derechos civiles y el jazz [editar]

El Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos fue una lucha no violenta para extender el acceso pleno a los derechos civiles y la igualdad ante la ley a los grupos que no los tienen, sobre todo a los afroamericanos. Esa lucha tenía como objetivo terminar la discriminación contra los afroamericanos y con la segregación racial, especialmente en los estados del Sur. Se considera que este período en 1955 con la Asociación para el Mejoramiento de Montgomery y finaliza con el asesinato de Martin Luther King Jr., aunque el movimiento por los derechos civiles sigue actuando. El trompetista Louis Armstrong contribuyó económicamente con este movimiento. Ray Charles (el cantante y pianista) también aportó a la causa. Archie Shepp (escritor, músico y activista político) comienza a usar su música para apoyar la lucha de los negros americanos. Compuso dos temas claramente relacionados con esta lucha: “Rufus" es la transposición musical del linchamiento de un negro y “The Funeral” está dedicada al secretario de la NAACP, Medgar Evers, quien había sido asesinado por aquellos años. Su disco más famoso fue Fire Music,[12] en el que sus composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento, entre ellas, Malcolm X (activista de una organización llamada La nación del Islam). El baterista Max Roach, muy sensibilizado con la lucha de los negros introduce en su arte una intención totalmente política. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el disco We Insist! Freedom Now Suite,[13] una declaración contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un café con gesto amenazante hacía sus tres clientes negros. Sonny Rollins y Coleman Hawkins graban Freedom Suite, que fue la primera composición de jazz explícitamente dedicada a la protesta. Sobre este disco, Rollins dijo “América está empapada en cultura negra”. Sostenía que los afroamericanos representaban la esencia de la cultura americana pero eran oprimidos por un grupo (europeos blancos). Freedom Suite era un grito de protesta contra la forma en la que se los trataba a los afroamericanos desde los días de la esclavitud hasta los días de la grabación del disco. Rollins fue un hombre brillante que logró canalizar sus sentimientos de opresión a través del ejercicio del arte. Sidney Bechet (clarinetista nacido en Nueva Orleans a fines del siglo XIX) dijo: “Después de la emancipación…todos los que han sido esclavos necesitan ahora la música más que nunca; es como si trataran de encontrar en esta música lo que se suponía que encontrarían con esta libertad: tocar la música y escucharla esperando que exprese lo que necesitan aprender una vez que hayan aprendido que no es sólo a los blancos a los que le tiene que llegar la música, sino directo a la vida, y a lo que un hombre hace con su vida cuando finalmente es suya.

domingo, 18 de octubre de 2009


The Jackson 5

Jackson 5 (también llamados The Jackson Five, o simplemente J5) es el nombre oficial de un grupo musical estadounidense formado por cinco hermanos varones afroamericanos, en Gary, Indiana, que fundó la casa discográfica Tamla-Motown, que fue la que bautizó al grupo. El grupo, en actividad desde 1968 hasta mediados del 1975, desarrolló su repertorio en base a los estilos R&B, soul, funk, y posteriormente disco. Considerados "uno de los más grandes fenómenos de la música popular" a principios de la década de 1970, Jackson 5 destacaron por la notable voz de sus principales vocalistas, Michael Jackson y Jermaine Jackson.

Jackson 5 se componía de los cinco mayores hijos de Katherine y Joseph Jackson: Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Michael. Joseph Jackson fundó la banda en 1962 y asumió la tarea de ser su representante, incluyendo a Jackie, Tito, Jermaine y sus jóvenes amigos Reynaud Jones y Milton Hite en la formación inicial, antes de asumir su línea original posterior de banda familiar. Un año después, Michael y Marlon ingresaron a la banda, y Michael asumió la voz principal.

Firmaron un contrato discográfico con Motown Records desde 1968 al 1975. Jackson 5 fue una de las bandas más populares de su época y, en su debut discográfico, consiguieron que sus primeros cuatro sencillos ("I Want You Back", "ABC", "The Love You Save", y "I'll Be There"), llegaran al tope de las clasificaciones estadounidenses. Varios sencillos lanzados posteriormente, entre ellos "Mama's Pearl", "Never Can Say Goodbye" y "Dancing Machine", consiguieron llegar al Top 5 del pop y al Número 1 en las clasificaciones de R&B. La mayoría de sus primeros éxitos fueron escritos y producidos por el equipo de compositores especializados de Motown, conocidos como The Corporation™. Posteriormente, los éxitos de los Jackson 5 fueron realizados principalmente por Hal Davis.

Pese a no ser considerados en ese entonces como una "boy band", Jackson 5 es uno de los primeros ejemplos que podrían encajar en este tipo de definición: Cinco adolescentes específicamente presentados y comercializados por un sello discográfico para ser convertidos en un éxito del pop. Significativamente, fueron la primera agrupación de raza negra que atrajo igualmente a la audiencia blanca.

Historia [editar]

Sello Discografico [editar]

The Jackson five tenían problemas en Motown para grabar canciones compuestas por ellos mismos, además de que el dinero que recibian en comparación con las ganacias que se llevaba Motown era una miseria, así que decidieron cambiar de discográfica. Berry Gordy preparó el matrimonio de Jermaine con su hija para que el grupo no se fuera pero aun así se marcharon, dejándose a Jermaine atrás.

Motown se quedó con el nombre de "The Jackson five".

Al pasarse a una nueva discográfica (Epic) eligieron el nombre "The Jacksons" y se unió al grupo el menor de los hermanos: Randy.

Diana Ross Presents the Jackson five [editar]

Los Jackson five necesitaban a una persona que los lanzara al mercado, alguien que fuese como su padrino artístico.

Descenso [editar]

Después de 1972, los Jackson Five lanzaron trabajos que resultaron mucho menos exitosos, pero ellos de todos modos fueron bien considerados por detrás de los éxitos Top 20, sobre todo los escritos y producidos por Hal Davis, incluyendo "Lookin' Through the Windows" (1972) y el estilo Música disco "Dancing Machine" (1974), que popularizó la rutina del baile "estilo Robot". Los álbumes de los Jackson 5 cayeron un poco en incluir éxitos musical y financieramente ya consagrados durante la última parte de su época en Motown, aunque LPs tales como Lookin' Through the Windows (1972) y G.I.T.: Get It Together (1973) frecuentemente incluyeron antiguas versiones, como la de su propia canción "Hum Along and Dance", un número popular en sus actos en vivo.

Los críticos, Joseph Jackson y los mismos Jackson 5, llegaron a la conclusión que la principal razón para el declive del éxito del grupo fue la negativa de Motown de actualizar la imagen de la banda, e impedir que asumieran su propio control creativo. Pese a que tocaban sus propios instrumentos en el escenario y habían comenzado a escribir y producir sus propias canciones en el estudio de grabación que tenían en casa, a los Jackson Five no se les permitió presentar su propio material en público ni tampoco publicarlo. Presintiendo que los Jackson 5 podrían llegar a ser más exitosos sin Motown, los cuales habían ido decayendo en el último tiempo en éxito y popularidad, Joseph comenzó a buscar una nueva casa discográfica para sus hijos.

El traslado hacia CBS Records [editar]

En 1976 el grupo cambia de sello discográfico, dejando atrás la Motown. Sin embargo, uno de los hermanos, Jermaine, casado con la hija del dueño de Motown, Berry Gordy, abandona el grupo, siendo sustituido por el hermano más pequeño, Randy. A partir de entonces, el grupo cambia de nombre y comienza a llamarse The Jacksons.

Después del lanzamiento en 1978 del exitoso álbum Destiny, The Jacksons continuaron con un álbum titulado Triumph, el cual vendió tres millones de copias en los Estados Unidos y 10 millones de copias en todo el mundo.

Los años 1980 [editar]

En 1984, el grupo lanzó Victory, siguiendo posteriormente con una gira. Tito cantó «We can change the world» y tocó muchos de los instrumentos, mientras que sus otras contribuciones al álbum se limitaron a los coros. La posterior gira sería uno de los mayores éxitos de The Jacksons, pero casi inmediatamente después, el cantante Michael Jackson abandonó el grupo, y Marlon también lo dejaría tras finalizar el Victory Tour.

En 1985, Tito y otros miembros de la familia Jackson participaron en USA for Africa, en la recaudación de fondos para aliviar la hambruna en África, con el single «We Are The World».

El último álbum de The Jacksons, 2300 Jackson Street fue el más orientado hacia el «Nuevo Jack Swing». La canción que le dio título reunió a todos los miembros de la familia Jackson, excepto a La Toya. Tito no contribuyó con la guitarra, sin embargo lo hizo con su voz, incluyendo una narración que precede a la primera canción.

La era Post-The Jacksons [editar]

Nuevo Disco [editar]

El 30 de enero de 2007, Jermaine Jackson declaró en Inglaterra al programa de televisión This Morning, que los Jacksons se estaban reuniendo para grabar un nuevo álbum, además de una gira por el Reino Unido. Jermaine dijo también que él estaba trabajando en la producción de un musical de The Jackson 5, que cubrirá desde los primeros días de la banda hasta la gira Victory Tour. En esa ocasión, no especificó fecha para ninguno de ambos proyectos. Dos meses más tarde, informó que Michael Jackson, ahora difunto, estaba en conversaciones para participar con la banda en los conciertos planificados para el año 2008. En noviembre de 2007 se confirmó el lanzamiento del disco, junto con la gira.

Reality [editar]

Además de la confirmación del nuevo disco y la correspondiente gira, los Jackson sorprendieron a sus seguidores con el anuncio de un nuevo e inesperado producto: En casa con los Jackson. Se trata de un reality show al más puro estilo del que protagonizó la no menos excéntrica familia de Ozzy Osbourne. Los Jackson se dejarán retratar en la intimidad de su nuevo hogar en Inglaterra.

Es Tito, el segundo de los hermanos, quien está ultimando los detalles de la aventura televisiva, que tendrá como base de operaciones una villa en Appledore, una tranquila localidad costera del condado de Devon, en el suroeste de Inglaterra. La mansión cuenta con cinco habitaciones por las que, a partir de la primera semana de mayo, se espera que vayan desfilando algunos miembros del clan: Janet, Jermaine, los patriarcas, Joseph y Katherine, y, por supuesto, el rey del pop, Michael Jackson.

Las cámaras seguirán a Tito y sus tres hijos, Taj, Taryll y T.J (que también cuentan con grupo propio, los 3T) en su mudanza desde California hasta Inglaterra. Jermaine, bajista en la época dorada del grupo, ha asegurado sentirse impaciente: "Es un lugar bellísimo y ya estamos deseando que Tito nos cite en la nueva casa familiar".

La Banda [editar]

Integrantes [editar]

El mayor de los hermanos, Jackie era la voz tenor y, previo a su carrera musical, fue jugador de béisbol. En su carrera como solista, editó dos álbumes, y finalmente se casó con Enid Jackson.

Miembro original, barítono cantante y guitarrista, Tito disfrutó de una carrera solista como músico de Rythm & Blues. En 2007 tomó parte como jurado en el evento musical británico Just the Two of Us.

Cantante y bajista, Jermaine estuvo en la banda hasta que los demás integrantes se cambiaron de Motown a CBS Records. Él siguió con Motown para proseguir una carrera como solista, logrando un importante éxito. En enero de 2007, tomó parte en el reality de televisión británico Celebrity Big Brother.

Ingresó un año después de la fundación de la banda, junto con Michael. Marlon se sintió por momentos incapaz de igualar las capacidades de baile de sus hermanos. Finalmente, se fugó con su amante Carol Parker, y, debido a fricciones con sus hermanos, no participó en el último álbum del grupo. Participó en un solo LP. Marlon desde ese entonces se convirtió en un verdadero agente patrimonial y co-propietario de Major Broadcasting Corporation. Es el único de los hermanos Jackson que jamás se ha divorciado.

Durante su participación en The Jackson 5, Michael fue claramente el miembro más popular de la agrupación. Fue el único de sus hermanos que tuvo una carrera solista constante, y estadísticamente se mantuvo hasta el día de su fallecimiento (2009) como el más exitoso artista de todos los tiempos. Michael se convirtió en el artista de mayor venta en el mundo de los años 1980, y mantiene hasta hoy el récord de mayor venta de todos los tiempos de un LP, con su álbum Thriller, lanzado en 1982 , lo que lo consagró como el indiscutible "rey del pop". Fue desde pequeño un chico prodigio. Michael logró que sus canciones se mantuvieran durante décadas.

Randy extraoficialmente inició su participación con The Jackson 5 en 1972, tocando las congas. Pasó a ser miembro oficial de la banda en 1975, sustituyendo a Jermaine cuando The Jackson 5 se fueron a CBS Records y cambiaron su nombre oficialmente a "The Jacksons". (No debe ser confundido con el músico y productor musical Randy Jackson, quien participa como jurado en la serie de televisión American Idol).

Colaboradores [editar]

  • Milford Hite (1962–1967), batería. Baterista inicial del grupo, fue reemplazado durante los primeros años en Indiana.
  • Reynaud Jones (1962–1967), primera guitarra. Guitarrista en primera guitarra original del grupo, hasta que Tito se hizo cargo de su puesto.
  • Johnny Jackson (1967–1975), batería. Johnny Jackson fue el Baterista en el escenario del grupo, hasta el fin del vínculo de la banda con Motown. Falleció en 2006.
  • Ronnie Rancifer (1967–1975), teclados. Rancifer fue el teclista en el escenario del grupo desde su incorporación hasta el fin del vínculo de la banda con Motown.


Las tres hermanas de la Familia Jackson, aunque nunca fueron integrantes de la banda, participaron con The Jacksons en la serie de televisión The Jacksons TV Show. También siguieron la carrera musical como solistas:

Janet Jackson, nacida en 1966, inició su carrera solista en 1982 y su álbum más reciente es Discipline lanzado en Febrero de 2008. Su carrera como actriz la inició en 1977 y su última película fue Why Did I Get Married? dirigida por Tyler Perry en 2007

sábado, 17 de octubre de 2009

The Beatles

The Beatles
The Beatles fue una banda de música rock y pop de Liverpool, Inglaterra, formada en 1960. Estaba integrada fundamentalmente por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque su estilo musical inicial era el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, el grupo también trabajó a lo largo de su carrera con otros géneros musicales, abarcando desde el Tin Pan Alley hasta el rock psicodélico. Sus vestimentas, estilo y declaraciones habían marcado las tendencias de su época, mientras que su gradual aumento de la conciencia social vió extender su poder de influencia a los cambios sociales y culturales acaecidos en los años sesenta. Después de que la banda se separara en 1970, todos sus ex-miembros se embarcaron en exitosas carreras individuales.
Los Beatles fueron la banda más exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Solo entre 1962 y 1970 lograron vender cerca de 400 millones de discos en todo el mundo. En el Reino Unido habían publicado 36 discos diferentes entre sencillos, EP y álbumes que alcanzaron el número uno, colocando más álbumes en el n.º 1 (11 en total, entre 1963 y 1970) que cualquier otro grupo en las listas musicales británicas. Se estima que, para 1985, habían vendido más de 1.000 millones de discos a nivel internacional.[2] Fueron, asimismo, los artistas que más discos habían vendido en la historia de los Estados Unidos, de acuerdo con la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos.[3]
En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el n.º 1 en su lista de los «50 artistas más grandes de todos los tiempos».[4] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de los Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta,[5] cuya influencia en la cultura pop actual aún sigue siendo evidente en nuestros días. Además, dicha publicación incluye en su clasificación cuatro de sus álbumes entre los 10 mejores de la historia, incluyendo uno en el primer y otro en el tercer puesto.[6] Unos años más tarde también fueron colocados en el puesto n.º 1 entre «los 1.000 mejores artistas de todos los tiempos» por la página de internet Acclaimedmusic.net.[7]

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Historia
Formación
John Lennon formó en marzo de 1957 el grupo de música skiffle The Quarry Men.[8] El 6 de julio de 1957 conoció a Paul McCartney, invitándole a unirse al grupo unos días más tarde.[9] George Harrison fue invitado el 6 de febrero de 1958 a observar al grupo, uniéndose a ellos como guitarra solista después de un ensayo en marzo de 1958. En este periodo, Lennon y McCartney tocaban la guitarra rítmica. Los Quarry Men sufrirían continuos cambios de batería, al abandonar el original, Colin Hanton, la banda en 1959. Un amigo de Lennon, Stuart Sutcliffe, se unió al grupo como bajista en enero de 1960.
Los Quarry Men pasaron a tener una sucesión de nombres, incluyendo «Johnny and the Moondogs» y «The Silver Beetles». Sutcliffe llegó a sugerir el nombre de «Beatals» (juego de palabras entre "beat" y "beetles" ["escarabajos"]) como tributo a Buddy Holly y los Crickets ("los grillos").[10] La banda adoptó finalmente el nombre The Beatles. La carencia de un batería en la banda se tornó en un serio problema para el mánager no oficial de los Beatles, Allan Williams, que les llegó a arreglar unas actuaciones en un club de la Reeperbahn de Hamburgo, en la Alemania Occidental.
Hamburgo, Cavern Club y Brian Epstein
Los Beatles iniciaron el 17 de agosto de 1960 su primer viaje a Hamburgo, después de haber contratado cuatro días antes a Pete Best como batería de la banda.[11] Allí tocaron durante 48 noches en el Indra Club, propiedad del empresario Bruno Koschmider, para seguidamente pasar en octubre de 1960 al Kaiserkeller, regentado también por el mismo empresario. Poco tiempo después aceptaron un ofrecimiento para actuar en el Top Ten Club, un local de la competencia, rompiendo de esta manera el contrato que tenían con Koschmider.[12] Éste se enfureció denunciando a Harrison ante las autoridades alemanas por ocultar el músico su minoría de edad, consiguiendo que lo deportasen a su país el 21 de noviembre de 1960. Una semana más tarde, la policía arrestó y deportó a McCartney y Best, al ser acusados por Koschmider de ser los presuntos incendiarios de su local Bambi Kino, el lugar donde se hospedaban los Beatles mientras actuaban en el Kaiserkeller.[13] Lennon se volvió a Liverpool a mitad de diciembre, mientras Sutcliffe se había quedado unos días más en Hamburgo con su nueva prometida, la alemana Astrid Kirchherr. El grupo de nuevo reunido tocaron el 17 de diciembre de 1960 en una actuación previamente concertada en el The Casbah Coffee Club, con Chas Newby sustituyendo temporalmente a Sutcliffe.[14]
Los Beatles volvieron a Hamburgo por segunda vez en marzo de 1961 para actuar en el Top Ten Club.[15] Fueron reclutados por el cantante Tony Sheridan (que también actuaba en este club) para tocar como banda de acompañamiento en una serie de grabaciones para el sello alemán Polydor, producidas por el afamado director de orquesta Bert Kaempfert. Kaempfert alistó al grupo a su propio contrato con Polydor en la primera sesión del 22 de junio de 1961.[15] El 31 de octubre Polydor publicó la canción "My Bonnie", grabada por Tony Sheridan acompañado por los Beatles —aunque éstos aparecerían acreditados como The Beat Brothers— que llegó al top-20 de las listas alemanas. Cuando el grupo se volvió a Liverpool, Sutcliffe decidió abandonar la banda y quedarse en Hamburgo con Kirchherr, con la que estaba dispuesto a casarse. McCartney se vio obligado, de esta manera, a pasarse finalmente al bajo.[16]
El 14 de julio de 1961, la banda actuó por primera vez desde su vuelta de Hamburgo en el Cavern Club. Desde 1961 a 1963 los Beatles harían aproximadamente 292 apariciones en el club, culminándolo en una aparición final el 3 de agosto de 1963.[17] Brian Epstein los vio por primera vez en el Cavern Club el 9 de noviembre de 1961. La versión de la historia de Epstein fue que un cliente, Raymond Jones, había entrado en su tienda de NEMS preguntándole por el sencillo "My Bonnie" que el grupo había grabado con Sheridan.[18]
Los Beatles firmaron un contrato de cinco años con Brian Epstein el 24 de enero de 1962.[19] Éste creó después, el 26 de junio de 1962, la compañía NEMS Enterprises Ltd (NEMS: North End Music Stores),[20] con la que los Beatles firmarían contrato de representación por cinco años el 1 de octubre de 1962.[21] Kaempfert acordó liberar a los Beatles de su contrato con Polydor, al saber que el sello alemán no estaba interesado en el grupo, y que Epstein estaba realizando una audición para Decca. El ejecutivo de la Decca Dick Rowe rechazó de plano al grupo, informándole a Epstein equivocadamente que los grupos con guitarras ya no estaban de moda (según comentaba Brian Epstein en su autobiografía A Cellarful of Noise).[22]
Mientras Epstein estaba negociando con Decca, abordó también al ejecutivo de marketing de la EMI, Ron White. Éste contactó con tres de los productores de EMI, declinando todos ellos grabar a la banda. White no había abordado a George Martin, el cuarto empleado del equipo de producción, que estaba entonces de vacaciones.[23] Los Beatles volvieron el 11 de abril de 1962 por tercera vez a Hamburgo, donde actuaron en el Star Club desde el 13 de abril (día de la inauguración del club) hasta el 31 de mayo. A su llegada fueron informados de la muerte, un día antes, de Sutcliffe por hemorragia cerebral.[24]
Los Beatles aún volverían a hacer un cuarto viaje a la ciudad alemana el 18 de diciembre de 1962, donde, de forma rudimentaria, serían grabados el 31 de diciembre en una de sus sesiones de actuación, y cuyas grabaciones aparecerían con el tiempo en forma de álbum en 1977 bajo el título de Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962.[25]
Contrato de grabación y Beatlemanía
Epstein se fue a la tienda de HMV en la calle Oxford de Londres para hacer una copia en acetato de la cinta magnetofónica con la audición de Decca. Al comentar su búsqueda de una compañía discográfica, se le recomendó que visitase a Sid Coleman, que llevaba la rama editorial de EMI.[24] Epstein logró reunirse a través de éste con George Martin, quien, después de arreglarle una cita con EMI, acordó asignar a los Beatles en julio de 1962 al sello Parlophone, subsidiario de EMI, con un contrato de un año renovable a cuatro más.[26]
A Martin no le había convencido la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que los Beatles lo cambiasen por otro batería en el estudio. El mánager estuvo de acuerdo. Además, a Epstein le exasperaba la negativa de Best en adoptar el corte de pelo distintivo que los demás compañeros habían adoptado como parte de la imagen unificada que querían dar de la banda. Best también había faltado a un número de actuaciones por haber estado enfermo varias veces. Así que Epstein prescindió de Best el 16 de agosto de 1962.[27] Preguntaron a Richard Starkey, conocido como Ringo Starr, si se quería unir a la banda. Starr era el batería de Rory Storm and the Hurricanes que había actuado ocasionalmente con los Beatles en Hamburgo. Éste aceptó, llegando a grabar junto al grupo el 4 de septiembre de 1962 en la que llegaría a ser para los Beatles la primera sesión oficial como artistas de EMI Records con Ringo tocando la batería.[28] Martin ya había contratado al batería de estudio Andy White para la próxima sesión del 11 de septiembre, de manera que el primer disco publicado por la banda, el sencillo "Love Me Do"/"P.S. I Love You", incluía las únicas grabaciones de los Beatles en que Ringo no tocaba la batería. El sencillo solo logró alcanzar el número 17 en las listas británicas.[29]
La banda grabó el 26 de noviembre de 1962 su segundo sencillo, "Please Please Me",[30] que llegó al número dos en la que sería con el tiempo la lista oficial del Reino Unido, Record Retailer, y al número 1 en las demás listas, entre ellas el NME. Tres meses más tarde grabaron su primer álbum, titulado igual que el segundo sencillo del grupo, Please Please Me. El siguiente sencillo, "From Me to You", publicado el 11 de abril de 1963, sí llegó finalmente al número 1 en las cuatro listas más importantes del Reino Unido.[31] Después del éxito de este sencillo, la industria discográfica decidió acuñar el término "Merseybeat" ("Mersey" por el río que pasaba por la ciudad de Liverpool) al sonido que provenía de los grupos musicales liverpulianos, como los Beatles, Gerry and the Pacemakers, Billy J. Kramer with the Dakotas, y los Searchers.
La primera actuación televisada de la banda fue en el programa local People and Places, transmitido en vivo desde Manchester por Granada Television el 17 de octubre de 1962, en la cual lo Beatles interpretaron "Love Me Do" y "Some Other Guy".[32] La adulación histérica hacia el grupo fue creciendo cada vez más, hasta tal punto, que fue apodada por la prensa a finales de 1963 con el nombre de «beatlemanía». Ese año hizo su debut el logotipo icónico del nombre de los Beatles con la letra T alargada hacia abajo, que enfatizaba la palabra «beat» en alusión al estilo musical que interpretaba el grupo.[33]
Ampliación de mercado
El sello operativo de EMI en Estados Unidos, Capitol Records, declinó en publicar los sencillos "Please Please Me" y "From Me to You" en aquel país. Por tanto, se les fue ofrecido para su publicación al sello Vee-Jay Records. Los derechos de Vee-Jay sobre los Beatles fueron cancelados más adelante por no pagar las regalías correspondientes.[34]
El 16 de septiembre de 1963, el sello discográfico Swan editó "She Loves You", sin lograr entrar en las listas de éxito.[35] A principios de noviembre de 1963, Brian Epstein llegó a un acuerdo con el productor del programa de televisión The Ed Sullivan Show (que era yerno del presentador de dicho programa, Ed Sullivan) para que presentara a los Beatles en dicho espacio televisivo,[36] advirtiéndole que eso le garantizaría llegar a un acuerdo con Capitol Records para que editase los discos de la banda. Finalmente, Capitol llegaría a comprometerse en diciembre a publicar "I Want to Hold Your Hand" a mediados de enero de 1964.[37] El 7 de diciembre de 1963 se mostró en el CBS Evening News un fragmento de cinco minutos de una actuación de los Beatles rodado el 16 de noviembre en Inglaterra.[38] El «corto», ya emitido el 21 de noviembre pasado,[39] inspiró a una joven quinceañera, llamada Marsha Albert, a escribir a Carroll James, un pinchadiscos de una emisora de radio de Washington D.C., pidiéndole que se hiciera con una copia del último sencillo de los Beatles que tuvo la oportunidad de escuchar en el fragmento mostrado por el noticiario de la CBS.[40] James se las arregló a través de una amiga azafata para recibir en su emisora de radio una copia del último sencillo que los Beatles habían publicado en ese tiempo en el Reino Unido, "I Want to Hold Your Hand". Inmediatamente después de debutar en la radio el 17 de diciembre, la canción recibió, de manera abrumadora, reacciones positivas por parte de los oyentes, que hizo que el tema se radiase más a menudo por la emisora. Consciente de cómo estaba respondiendo la audiencia ante la música del cuarteto inglés, el presidente de Capitol Records decidió, unos días más tarde, adelantar la publicación del sencillo al 27 de diciembre, incrementando su fabricación de las inicialmente previstas 200.000 a un millón de copias.[37]
Otras emisoras de radio de Nueva York empezaron a emitir "I Want to Hold Your Hand" el día de su publicación. La respuesta positiva que había tenido en Washington, fue duplicada en Nueva York, y pronto se extendió a otros mercados. El sencillo logró vender un millón de copias en tan solo diez días; y para el 16 de enero, la revista Cashbox certificó el disco en el nº 1 para el final de semana del 25 de enero, justo tres semanas después de su inclusión en la lista del Top 100.[41]
Fue por este tiempo que Brian Epstein se vio asediado de repente por los comerciantes de productos con la imagen de los Beatles. Decidió crear a finales de 1963 la compañía Stramsact (y su brazo estadounidense Seltaeb [Beatles, al revés]) para gestionar las licencias de los productos con el nombre de la banda. Puso al frente de la compañía a Nicholas Byrne, que, aparte de reunir a cinco socios más, pactó reservarse el 90% de los beneficios del negocio, con la complacencia de Epstein, que desconocía este relativamente nuevo mercado dentro de la música pop. Dicho porcentaje devino pronto en disputas contractuales y demandas judiciales, haciendo que NEMS dejara de ganar una cantidad estimada en 100 millones de dólares (la mayor parte de esa cifra en Estados Unidos) en ventas potenciales de productos con la imagen del grupo. El pacto se revisó en junio de 1964, percibiendo NEMS esta vez el 45% de la comercialización de la mercadotecnia.[42]
Conquista de Estados Unidos
Los Beatles tomaron su primer vuelo a Estados Unidos el 7 de febrero de 1964,[43] acompañados por fotógrafos y periodistas (incluída Maureen Cleave) para cubrir el evento. Arribaron en el recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy de Nueva York, donde fueron recibidos por cerca de 3.000 fans.[cita requerida]
Hicieron su primera aparición televisiva americana en el The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población estadounidense de entonces—.[44] Dos días más tarde, el 11 de febrero de 1964, actuaron en el Washington Coliseum de la capital de Estados Unidos, en lo que fue el primer concierto que dieron en suelo americano.[45]
Después del éxito que los Beatles estaban teniendo en 1964, Vee-Jay Records y Swan aprovecharon los derechos que poseían sobre las primeras grabaciones del grupo, para volverlas a editar; todos estos temas alcanzarían esta vez el Top-10 estadounidense. Tres sencillos publicados por Capitol Records de Canadá (que empezó a editar discos de los Beatles en febrero de 1963) fueron importados a los Estados Unidos, vendiendo la suficiente cantidad como para lograr subir a las listas estadounidenses. Uno de ellos, "Love Me Do", fue editado después por el subsello de Vee Jay, Tollie Records, logrando alcanzar el nº 1 en las listas.[46] (MGM y Atco sacaron también provecho de sus derechos sobre las tempranas grabaciones de los Beatles con Tony Sheridan, teniendo éxitos menores con "My Bonnie" y "Ain't She Sweet", esta última con John Lennon como vocalista principal).
Esta publicación de los discos de los Beatles hizo que se le diera una nueva dimensión al éxito del grupo en las listas musicales: el 4 de abril de 1964, los Beatles monopolizaron las posiciones del Top 5 de la lista de los Hot 100 de Billboard[47] y la del Top 100 de Cashbox.[48] A la semana siguiente, un total de 14 canciones de los Beatles ocuparon la lista Hot 100 del semanario Billboard;[49] un caso sin precedentes, y que no volvió a repetirse posteriormente.
El álbum Introducing... The Beatles, editado por Vee-Jay apresuradamente el 10 de enero de 1964,[cita requerida] volvería a aparecer el 27 del mismo mes en una segunda versión, llegando a alcanzar el n.º 2 en las listas estadounidenses.[50] Este mismo álbum sería editado varias veces más, con diferentes formatos, por Vee Jay, hasta agotar su publicación legal a la que tenía derecho.
Después de un litigio entre Capitol Records y Vee Jay, se llegó a un acuerdo legal en el cual se le reconocía a Vee Jay Records el derecho a publicar el material musical beatle que poseía en ese momento hasta el 15 de octubre de 1964; una vez llegado a esta fecha, todos los derechos de las grabaciones de los Beatles en EMI publicadas en Estados Unidos, se le asignaría automáticamente a Capitol Records.[34]
El éxito de los Beatles en América hizo que se produciese la denominada Invasión británica: la llegada de una serie de bandas musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de los Beatles.[51]
Los Beatles emprendieron a mediados de 1964 su primera gira fuera de Europa y Norteamérica, recorriendo Australia y Nueva Zelanda; Ringo Starr sufrió una amigdalitis y fue reemplazado temporalmente por el batería de estudio Jimmy Nicol. El grupo fue recibido por más de 300.000 seguidores[cita requerida] en el Adelaide Town Hall de la ciudad australiana de Adelaida. Ringo se volvió a reunir con ellos al tiempo que los Beatles arribaban en Nueva Zelanda el 21 de junio de 1964.[52]
El 6 de julio de 1964 se estrenó en el Reino Unido la primera película interpretada por los Beatles, A Hard Day's Night.[53] Dirigida por Richard Lester, la película narraba las peripecias por las que pasaba el grupo musical en su camino hacia un programa de televisión en Londres. Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las mejores películas de la historia en su género. Ese diciembre el grupo publicó su cuarto álbum, Beatles for Sale.
Miembros de la Orden del Imperio Británico
La Reina Isabel II designó en junio de 1965 a los Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Fueron propuestos por el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.[54] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia. En julio de 1965 se estrenó la segunda película de la banda, Help!, acompañado por el quinto álbum de mismo título, que hacía de banda sonora del film. El 15 de agosto de 1965, los Beatles actuaron en el Shea Stadium neoyorquino con capacidad para 55.600 espectadores. Fue la primera vez en la historia de la música de este género en que una actuación de estas características se emplazaba en un estadio.[55] El grupo visitó después, el 27 de agosto de 1965, a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.[56]
En diciembre de 1965 se publicó su sexto álbum, Rubber Soul, que mostraba un salto adelante en la maduración y complejidad de la música de la banda.[57]
Incidente en Manila y comentario de Lennon sobre Jesucristo
El 4 de julio de 1966, los Beatles se vieron inmersos en un incidente con el Palacio Presidencial en Filipinas. Imelda Marcos, primera dama del país, había dispuesto que los Beatles visitaran el Palacio Presidencial antes de que el grupo actuara en los dos conciertos que tenían concertados en el Rizal Memorial Football Stadium de Manila aquel día. Los Beatles, a los que no se les enfatizó la importancia que supondría hacer esa visita, comunicaron su imposibilidad de acudir a la cita por falta de tiempo. Ante esta situación, el promotor filipino encargado de los conciertos, decidió no decir a Palacio de que los Beatles no podían acudir a la cita, ni tampoco informar a los Beatles de que no comunicó a Palacio de que ellos no iban a poder asistir al evento.[58]
Después de trasladarse el horario de visita a las 11 de la mañana del día siguiente, y los Beatles no acudir por estar desinformados del recibimiento oficial que había preparado Imelda Marcos en el Palacio Presidencial acompañada de 200 niños (según el noticiario de entonces), las consecuencias no tardaron en aparecer: la noticia del incidente con la primera dama se retransmitió por la televisión y la radio del país, al tiempo que la policía encargada de proteger al grupo desaparecía súbitamente. Los Beatles y su séquito tuvieron que desplazarse por sí mismos hacia el aeropuerto de Manila, sin protección alguna. En el aeropuerto, fueron empujados y golpeados por una multitud hostil. Una vez abordado el avión, a Tony Barrow y Mal Evans se les conminó a bajar de nuevo del aparato. Se les amenazó de que podían ser retenidos como inmigrantes ilegales, ya que no estaban registrados como pasajeros en el avión en el que llegaron dos días antes con los Beatles. Todo quedó en un susto y, 50 minutos más tarde, pudieron subir otra vez al avión y despegar del aeropuerto.[58]
Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de grupos religiosos y conservadores de aquel país a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,[59] Lennon había opinado que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que los Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo. Poco después, una emisora de radio de Birmingham, Alabama, hizo circular la historia de la quema de discos de los Beatles, en lo que se consideraba era una broma. Sin embargo, alguna gente afiliada con las iglesias rurales del sur de Estados Unidos empezó a tomarse en serio dicha historia, comenzando a quemar los discos de los Beatles en plazas públicas de varias ciudades estadounidenses como protesta al comentario de Lennon. Bajo la intensa presión de los medios de comunicación de aquel país, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966,[60] víspera de la primera actuación del grupo en la que llegaría a ser la última gira que darían los Beatles en su carrera.
La promoción del álbum de Capitol Yesterday and Today llegó a causar gran controversia en Estados Unidos, al mostrar el disco una portada con los miembros de la banda vestidos de carniceros y rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Pronto se tuvo que sustituir la portada por otra más convencional.
Elvis Presley llegó aparentemente a desaprobar a los Beatles por su activismo contra la guerra de Vietnam y el uso de las drogas por parte de la banda, aconsejando posteriormente al presidente estadounidense Richard Nixon que prohibiera a los cuatro miembros del grupo su entrada en Estados Unidos.
El Sgt. Pepper's y el Álbum Blanco
Para las sesiones de grabación de Revolver, se introdujo por primera vez el truco de las cintas de bucle (o loops) y un temprano sistema de sampleado en las canciones del álbum. El 29 de agosto de 1966, los Beatles dieron la última actuación de su carrera en el estadio de Candlestick Park de San Francisco.[61] Desde entonces, el grupo decidió concentrarse en la grabación de sus discos. Menos de siete meses después de grabar Revolver, la banda volvió a los estudios Abbey Road el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, publicado el 26 de mayo[62] de 1967.
El 25 de junio de 1967 aparecieron los Beatles en un fragmento de Our World, el primer programa retransmitido via satélite para todo el mundo. El grupo fue visto interpretando en vivo el tema "All You Need Is Love" en los estudios Abbey Road, aunque parte de la música que servía de acompañamiento al tema había sido grabada y mezclada previamente, durante cinco días, en el estudio.[63]
El 24 de agosto de 1967, los Beatles visitaron por primera vez al Maharishi Mahesh Yogi en el hotel de Londres donde se hospedaba. Unos días más tarde viajaron a Bangor, al norte de Gales, para atender durante un fin de semana una conferencia de «iniciación» que impartía allí el Maharishi.[64] Cada miembro del grupo recibió del Maharishi un mantra. Fue en Bangor donde los Beatles recibieron la noticia de la muerte de Brian Epstein, de 32 años, a consecuencia de una sobredosis aparentemente accidental de estimulantes y barbitúricos. A finales de 1967, recibieron la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despreciativos hacia su película para televisión Magical Mystery Tour. El filme había sido mostrado en blanco y negro el 26 de diciembre de 1967,[65] de ahí que la crítica no pudiese valorarla en su totalidad, pues el color era parte fundamental de la película. Fue repetida por la televisión, esta vez en color, el 5 de enero de 1968. La banda sonora del film fue editada como doble EP en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos aparecería como LP, después de habérsele añadido los sencillos publicados en 1967.
El grupo se fue a principios de 1968 a Rishikesh, la India, a estudiar meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi. El tiempo que pasaron en el lugar de la meditación con el Maharishi fue muy productivo desde el punto de vista musical, ya que muchas de las canciones allí compuestas por Lennon, McCartney y Harrison, serían las que después se grabarían para sus dos siguientes álbums. Después de su vuelta, Lennon y McCartney marcharon a Nueva York para anunciar la formación de Apple Corps. La banda estuvo a mediados de 1968 ocupada grabando el doble álbum The BEATLES (popularmente conocido como el Álbum Blanco debido a su funda totalmente blanca). Estas sesiones fueron el comienzo de la aparición de profundas divisiones dentro del grupo, con Starr abandonando temporalmente la banda, lo que hizo que el grupo siguiese adelante con McCartney tocando la batería en los temas "Martha My Dear", "Wild Honey Pie", "Dear Prudence" y "Back in the USSR". Entre otras causas de disensión dentro de la banda estaba que la nueva novia de Lennon, Yoko Ono, estuviera casi siempre presente al lado de él en las sesiones de grabación, y que a los demás les pareciera que McCartney estuviera demasiado dominante dentro del grupo. Otro motivo era la dificultad de Harrison en poder añadir más canciones suyas en los álbums de los Beatles.
En relación con la administración de Apple Corps, Lennon, Harrison y Starr querían al mánager neoyorquino Allen Klein para hacerse cargo de la corporación creada por los Beatles en 1968; sin embargo, McCartney quería al hombre de negocios Lee Eastman (el padre de su entonces novia Linda).[66] Todas las decisiones del grupo en el pasado fueron unánimes, pero esta vez los cuatro no se podían poner de acuerdo; los tres miembros pensaron que Eastman iba a poner los intereses de McCartney por encima de los del grupo.
El proyecto de Let It Be y la separación
En enero de 1969, los Beatles empezaron un proyecto fílmico que documentaba la creación de su próximo álbum, originalmente titulado Get Back. Durante las sesiones de grabación, la banda dio su última actuación en vivo en la azotea del edificio de Apple en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[67] Gran parte de la actuación fue filmada, siendo incluida posteriormente en la película Let It Be. El proyecto fue archivado temporalmente, y los Beatles se concentraron en grabar su último álbum, Abbey Road, en el verano de 1969. El 20 de agosto de 1969 fue la última vez que los cuatro miembros de los Beatles coincidieran juntos en el mismo estudio,[68] con ocasión de finalizar la grabación de "I Want You (She's So Heavy)". Lennon anunció el 20 de septiembre su salida del grupo a sus compañeros, pero acordó no hacerlo público hasta que se resolvieran algunos asuntos legales pendientes de la banda. La última canción nueva de ellos fue el tema de Harrison "I Me Mine", grabada el 3 de enero de 1970 e incluida en el álbum Let It Be. Fue grabada sin Lennon, quien se encontraba por entonces en Dinamarca.[69]
El 22 de marzo de 1970, las cintas de las sesiones de Get Back fueron dadas al productor americano Phil Spector,[70] quien ya había producido el sencillo de Lennon "Instant Karma!". El «muro de sonido» empleado por Spector en el álbum iría en contra de la idea original que tuvieron los Beatles sobre el disco, que habían pensado presentarlo con un sonido desnudo de cualquier adorno musical. McCartney estaba profundamente insatisfecho sobre todo con el tratamiento que Spector le había dado a su canción "The Long and Winding Road", tratando de parar sin éxito la publicación de esa versión del tema en el álbum. Al final, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970,[71] una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de los Beatles y su esperanza cara al futuro. El 8 de mayo de 1970 se publicó la versión producida por Spector de Get Back con el título de Let It Be,[72] siguiéndole el estreno de la película de mismo nombre. McCartney reclamó la disolución de los Beatles el 31 de diciembre de 1970,[73] terminando definitivamente con la carrera de la banda, aunque la disolución de la asociación de los Beatles no se produciría hasta 1975.[66]
Después de la separación
Poco antes, y después de la separación oficial del grupo, cada uno de los Beatles publicaron álbums en solitario. Algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones separadas. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro del sitar Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de una inédita jam session de 1974 (aparecida después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.
En 1975 había expirado el contrato que existía entre los Beatles y EMI, lo que hizo que Capitol buscara pronto el beneficio del vasto material musical que poseía del grupo. Así, liberado del control creativo de la banda sobre su música, editaría cinco LP: Rock 'n' Roll Music (un recopilatorio de sus temas más rockeros), The Beatles at the Hollywood Bowl (que contenía partes de dos actuaciones del grupo de 1964 y 1965 en el Hollywood Bowl), Love Songs (una recopilación de sus baladas más románticas), Rarities (una recopilación de temas que nunca habían aparecido hasta entonces en algún álbum original de los Beatles), y Reel Music (un recopilatorio de canciones de sus cinco películas). También se había publicado Live! at the Star Club in Hamburg, Germany; 1962, un álbum no perteneciente a Capitol o EMI, y que era una grabación rudimentaria de una actuación del grupo en el Star Club de Hamburgo. De todos estos LP, solo el del Hollywood Bowl había obtenido la aprobación de los ex-miembros de la banda. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo de Capitol-EMI al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.
John Lennon sería asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche,[cita requerida] de cuatro disparos por Mark David Chapman en la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la ciudad de Nueva York. Antes, aquella tarde, el músico había autografiado su LP Double Fantasy para Chapman, que había seguido a Lennon desde el mes de octubre de 1980.
En mayo de 1981, George Harrison publicó "All Those Years Ago", un tema compuesto originalmente para Ringo Starr. La canción fue grabada un mes antes de la muerte de Lennon, con Starr a la batería, y su letra fue reescrita posteriormente para editarla como tributo a Lennon. Paul McCartney, Linda McCartney y Denny Laine contribuyeron después a las segundas voces en el tema.[74] En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo a Lennon en la canción "Here Today".
En 1988, los Beatles fueron incluídos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,[51] a la que asistieron Harrison, Starr, y la viuda de Lennon, Yoko Ono. McCartney no había asistido, aduciendo como motivo en una nota de prensa «dificultades sin resolver» con Harrison, Starr y la sucesora de Lennon.
Anthology y 1
En febrero de 1994, los tres Beatles supervivientes se reunieron para producir y añadir música a unas grabaciones caseras de Lennon. "Free as a Bird" debutó como parte de la serie documental para televisión The Beatles Anthology, publicándose como sencillo en diciembre de 1995, siguiéndole "Real Love" en marzo de 1996. Estas canciones fueron incluidas en una colección de tres volúmenes titulados Anthology, y editados en 1995 y 1996. Cada uno consistía en un doble CD con material musical inédito de los Beatles. El concepto de la portada de los discos de Anthology fue dirigido por Klaus Voormann, quien conocía al grupo desde los días de Hamburgo, y el que había ilustrado la portada del álbum Revolver en 1966. En su primer día de publicación, Anthology 1 vendió 450.000 copias.
En 2000, fue editado el álbum recopilatorio 1, que reunía casi todos los números 1 de la banda desde 1962 a 1970. El recopilatorio vendió 3,6 millones de copias en su primera semana (una media de 3 por segundo) y más de 12 millones en tres semanas a nivel mundial. Alcanzó el número 1 en Estados Unidos y otros 33 países, vendiendo para el año 2005 25 millones de copias (convirtiéndose así en el noveno álbum más vendido de la historia discográfica).
Fallecimiento de Harrison y proyectos recientes
Para 1997, a George Harrison se le había desarrollado un cáncer de garganta, que fue descubierto casualmente al serle analizado un bulto aparecido en su cuello. Cuatro años después, en marzo de 2001, el cantante estuvo bajo intervención quirúrgica por un brote canceroso que se le había detectado en uno de sus pulmones. En julio de ese mismo año, tuvo que ser tratado con radioterapia de un tumor cerebral en una clínica suiza, tratamiento que continuaría después en un hospital de Nueva York. A pesar de todos los tratamientos y operaciones a los que tuvo que asistir, Harrison fallecería a causa de su enfermedad el 29 de noviembre de 2001 en su mansión de Hollywood Hills, Los Ángeles, California.[75] El certificado oficial determinaba que el músico había fallecido «de una metástasis de cáncer de pulmón».
George Martin y su hijo Giles Martin remezclaron las grabaciones originales de los Beatles para crear el disco con la banda sonora que acompañaría a la producción teatral de Cirque du Soleil, titulado Love, y que fue editado en 2006.
The Beatles: Rock Band, un videojuego basado en las canciones de los Beatles, esta planeado en publicarse el 9 de septiembre de 2009,[76] al igual que la reedición de la discografía oficial inglesa remasterizada y presentada en sus versiones monoaural y estereofónica.[77